akai Sora

Aclaración: *SPOILER* significa que el chabón te cuenta toda la película mientras habla boludeces y, si no la viste, te dan ganas de colgarlo de cabeza en una plaza.

Trabajo desde hace años en la Unesco y otros organismos internacionales, pese a lo cual conservo algún sentido del humor y especialmente una notable capacidad de abstracción, es decir, que si no me gusta un tipo lo borro del mapa con sólo decidirlo, y mientras él habla y habla yo me paso a Melville y el pobre cree que lo estoy escuchando. De la misma manera, si me gusta una chica puedo abstraerle la ropa apenas entra en mi campo visual, y mientras me habla de lo fría que está la mañana yo me paso largos minutos admirándole el ombliguito. A veces es casi malsana esta facilidad que tengo.

El lunes pasado fueron las orejas. A la hora de le entrada era extraordinario el número de orejas que se desplazaban en la galería de entrada. En mi oficina encontré seis orejas; en la cantina, a mediodía, había más de quinientas, simétricamente ordenadas en dobles filas. Era divertido ver de cuando en cuando dos orejas que remontaban, salían de la fila y se alejaban. Parecían alas.

El martes elegí algo que creía menos frecuente: los relojes de pulsera. Me engañé, porque a la hora del almuerzo pude ver cerca de doscientos que sobrevolaban las mesas en movimiento hacia atrás y adelante, que recordaba particularmente la acción de seccionar un biftec. El miércoles preferí (con cierto embarazo) algo más fundamental, y elegí los botones. ¡Oh espectáculo! El aire de la galería lleno de cardúmenes de ojos opacos que se desplazabn horizontalmente, mientras a los lados de cada pequeñobatallón horizontal se balanceaban pendularmente dos, tres o cuatro botones. En el ascensor la saturación era indescriptible: centenares de botones inmóviles, o moviéndose apenas, en un asombrosocubo cristalográfico. Recuerdo especialmente una ventana (era por la tarde) contra el cielo azul. Ocho botones rojos dibujaban una delicada vertical, y aquí y allá se movían suavemente unos pequeños discos nacarados y secretos. Esa mujer debía ser tan hermosa.

El miércoles era de ceniza, día en que los procesos digestivos me parecieron ilustración adecuada a la circunstancia, por lo cual a las nueve y media fui mohino espectador de la llegada de centenares de bolsas llenas de papilla grisácea, resultante de la mezcla de corn-flakes, café con leche y medialunas. En la cantina vi cómo una naranja se dividía en prolijos gajos, que en un momento dado perdían su forma a cierta altura de un depósito blanquecino. En este estado la naranja recorrió el pasillo, bajó cuatro pisos y luego de entrar en una oficina, fue a inmovilizarse en un punto situado entre los dos brazos de un sillón. Algo más lejos se veían en análogo reposo un cuarto de litro de té cargado. Com curioso paréntesis (mi facultad de abstracción suele ejercerse arbitrariamente) podía ver además nua bocanada de humo que se entubaba verticalmente, se dividía en dos translúcidas vejigas, subía otra vez por el tubo y luego de una graciosa voluta se disersaba en barrocos resultados. Más tarde (yo estaba en otra oficina) encontré un pretexto para volver a visitar la naranja, el té y el humo. Pero el humo había desaparecido, y en vez de la naranja y el té había dos desagradables tubos retorcidos. Hasta la abstracción tiene su lado penoso; saludé a los tubos y me volví a mi despacho. Mi secretaria lloraba, leyendo el decreto por el cual me dejaban cesante. Para consolarme decidí abstraer sus lágrimas, y por un rato me deleité con esas diminutas fuentes cristalinas que nacían en el aire y se aplastaban en los biblioratos, el secante y el boletín oficial. La vida esta llena de hermosuras así.

"Posibilidades de la abstracción". En: Historia de Cronopios y de Famas, Cortázar, Julio; Bs As, 1966.

Armar un solo número de la revista, por increíble que parezca, nos lleva muuuucho tiempo. Así que si ya sacaron la película que reseñamos, no se nos quejen y vayan a un cine en Junín.

Cortitas y al pie

--Se van a reir mucho. El director de XXX y The Fast and The Furious, Rob Cohen, va a adaptar Kite, el espeluznante OVA creado integramente or Yasuomi Umetsu, mas conocido por las escenas increíblemente potentes que incluye, que por su aterradora oscura. Kite, una obra maestra del lado oscuro del anime, será arruinada por Cohen a partir del 2004, que ya prometió suavizar el contenido. Probablemente se digen de incluir: autos caros que explotan; aviones que explotan; edificios que explotan; perros que explotan. Sin dudas, no tenemos apuro en ver este explosivo estreno.

Robamos de: ScreenDaily

--Ah! Y Hayao Miyazaki ganó un Oscar por Spirited Away y no fue. Será porque estaba a favor de la paz, en contra de la sociedad penetrante de occidente, no tenía un mango o miró el premio de Berlín y se dió cuenta de la basura que son los Oscar?

Basada en una historia real, la historia de Paulo Lins, pero al mismo tiempo gira en torno a la ciudad donde él nació: Ciudad de Dios. Construida a principios de los sesentas como un proyecto habitacional para las personas más pobres, se convierte con el tiempo en un lugar gobernado por la droga y la mafia juvenil. Buscapé, el personaje principal, tiene un espíritu demasiado débil como para formar parte de ese mundo, y en vez de eso vuelca su tiempo a la fotografía. Tiene una trama intensa y lineal, y un desarrollo muy parecido al de “Juegos, Trampas y Dos Armas Humeantes” y “Snatch”. Con idas y venidas vertiginosas y un toque humorístico que completa definitivamente la obra, colocándola en uno de los mejores puestos de este año. La recomiendo especialmente porque muestra la vida tal cual era en una de las republicas bananeras del Cono Sur durante los años sesentas y ochentas, y porque es un relato verídico que reúne a la acción desenfrenada y unos toques de comedia sin olvidar los amores y desventuras de los personajes, en una atmósfera sencilla pero atrapante.

El ganador del Oscar a Mejor Actor Adrien Brody encarna al renombrado pianista Wladyslaw Szpilman en esta película que de seguro hará historia. La ciudad de Varsovia es ocupada por el ejercito nazi en plena guerra mundial, y la familia del pianista tendrá que soportar las torturas de un ejercito borracho de poder y soberbia. Aunque es un hecho importantísimo si hablamos de el Holocausto, pasa desapercibido el levantamiento del guetto de Varsovia del ´44, y esto tiene que ver con que el protagonista, después de todo, era un pianista y mucho no podía hacer, más que huir. Un realismo excepcional logra imágenes muy desoladoras, como las de los campos de concentración y la destrucción de la ciudad entera. Pienso que muchos de nosotros vimos en documentales cómo eran los guettos, y nos imaginábamos más o menos como seria la vida en un lugar tan atroz, y por eso recomiendo esta película, muestra esa vida pero no desde lo histórico, sino desde lo cotidiano, y eso es lo que la hace mucho más conmovedora que ver a los muertos en cifras. La actuación de Adrien es sencillamente excelente, sus gestos y movimientos son escalofriantemente reales. Ah!! Me olvidaba, pueden escucharse las más conmovedoras obras de arte de la música clásica a lo largo del film, que lo envuelven aún más en ese velo de nostalgia y oscuridad que traza majestuosamente Roman Polanski.

En el cielo de Akai Sora, El Pianista tiene CINCO ESTRELLAS (que generosidad!)

A nosotros no nos invitan a las avant-premier ni tenemos guita para ir al fesitval de Mar del Plata, pero igual nos la arreglamos para ver las peliculas antes de que las estrenen. Y la verdad, Irreversible es una de esas películas que bajamos con mucha expectativa y nos desilusionamos rapidamente.

Irreversible se supone como “la película mas asquerosa” en mucho tiempo. Pero la verdad es que, pasada la conmocion, no es tan terrible. Es decir, las escenas de sexo (la famosa violación de 15 minutos que horrorizo a tantos franceses en Cannes) no son nada terribles, ni que decir explicitas, y mas alla de la terrbible violencia de la escena, no hay nada que no se haya visto en Los Idiotas o . La cuestion es que Noé juega al terrible y publicita a sus películas como una especie de controvertido film que solo se atreven a mirar los verdaderamente transgresores. Pero ni Solo contra Todos ni Irreversible son películas marginales, solo parecen terribles al ojo ingenuo y moralista.

La película en si es buena, Noé vuelve a transitar sus temas habituales, la soledad, la violencia que genera la marginación y la moral, y agrega una especie de crónica de una pareja moderna interpretada por Belucci y. Aunque no se registra ningún avance del director en este aspecto, si experimenta desde el apartado de la dirección, no solo eligiendo una forma de narrar el film poco convencional (de atrás para adelante), sino que narrando el film de modo ralentado, lo cual genera un efecto casi hipnótico, atrapante, aunque llega a irritar al que no esta acostumbrado a este tipo de trucos. Más allá de eso, Irreversible no trasgrede ninguna regla, solo las dobla lo suficiente como para que los moralistas se horroricen y su película reciba entonces la adecuada publicidad sin necesidad de gastar platita. A lo mejor es que ya estamos desensibilizados, nosotros, los de la nueva generación, pero a mi se me ocurre que los que salieron corriendo del cine en Cannes son gente demasiado escandalosa.

Decís que no me doy cuenta de un carajo, me doy cuenta de estas cosas que si son importantes para mí, creo que nunca me doy a dar cuenta de si tenes una remerita nueva, si te cortaste el pelo, pero si me doy cuenta de como y cuanto me queres, porque esa son las cosas que importan, los sentimientos de las personas, todo lo demás es trivial, es un material, y el sentimiento lo es todo.

espero que te quede muy claro todo lo que te quiero aunque no lo diga muy seguido, pero eso no quiere decir que no lo sienta.

Hoy en día es tan fácil, criticar, maltratar insultar, y en anteposición a esto nos cuesta muchísimo (un huevo), decir un te quiero a las personas que mas se lo merecen. Nos estamos cayendo a pedazos, será esta la época de dar las cosas por sobreentendidas, manejarnos por gestos, que somos mimos sueltos? . El lenguaje esta tan al pedo, en desuso, relegado a reality shows y programas de tv, mientras tanto la gente habla por hablar, y no dice nada, solo boludeces y no, no soy hipócrita, mucho de todo esto tampoco lo hago, pero por lo menos (y no es en forma de excusa), de vez en cuando caigo en que no lo hago, pero cuando nos damos cuenta o es demasiado tarde o nos chocamos contra una pared, necesitamos, de esas cosas para abrir los ojos, vemos en realidad? si ver vemos, pero no la realidad, vemos lo que queremos ver, somos ciegos. No mires hacia acá. animal que destroza lo que no entiende. Igual hay mucha belleza allá afuera, esperando. Y es tan simple, muy simple.

Pd: a los novios: si lees esto sos un BOLUDO, inútil si sos tan pelotudo de no darte cuenta

lo que siente tu novia, córtate el garrote por imbecil. Porque uno esta para eso, para hacerlas sentir bien, ya que ellas son todo para nosotros ellas nos harán sentir bien cuando el bajón venga, y mas cuando uno es tan pelotudo y se hace problemas por cualquier boludez, porque cuando los verdaderos problemas vengan, solo estarán los que mas nos quieren y entre esa poco gente, estarán ellas, como ángeles cayendo del cielo, solucionaran todo. (tuli poetico)Y nos convencerán de que algo bueno va a pasar, mientras exista el amor en este mundo de mierda.

Pd2: Por supuesto que si, me hago cargo de cada palabra y nunca me importara un huevo las consecuencias de escribirlas y de la interpretación que quieran hacer de ellas. desde ya que no soy un imbécil con teclado. (por si cabía alguna duda)

Entonces hablemos, de la vida, si esa cosa que es todo en fin, es el fin de nuestra existencia. De nosotros depende, de las decisiones, depende, en el camino a elegir, todo reside en lo que elijamos, este bien o este mal, no es parte de esto, solo que cada decisión marcara, nuestro futuro y será parte, de nuestro pasado como recuerdo. Bueno me delire sisis ya se, a lo que voy la vida es la vida, tiene sus momentos malos y sus buenos, es una balanza asquerosa, una nunca sabe cuando nos tocara vivir alegrías, tristezas, decepciones, y toda clase de sentimientos, para eso son los sentimientos para sentirlos, lo importante es no caer en los malos sentimientos sobrellevarlos, seguir caminando y no detenerse nunca. Uno tiene que seguir pase lo que pase, porque siempre habrá algo bueno ahí esperando a que lo encuentres, solo hay que buscarlo, la vida es paciencia, es lucha, es risa, es llanto, eso es la vida. Ahora que queda de tu vida, tus recuerdos son las cosas mas importantes que tienes, es tu tesoro y lo tienes que proteger del maldito olvido(nuestro peor enemigo, o será la conciencia?), por eso tus objetivos son acumular recuerdos de las personas que quieres, ya que en tus recuerdos serán inmortales, estarán contigo, siempre y para siempre,

a ver si lo entienden de una vez, maldita sea. Cada vez que cumplen años no es un año mas,

es un año menos señores, su percepción del tiempo es totalmente errónea, el tiempo no avanza el tiempo retrocede para nosotros y para cualquier ser con vida que interactúa con este ambiente. Nuestro etapa útil ya esta prefijada, la mera cuenta regresiva, ya ha comenzado desde el principio de todo, y ahora que vas a hacer con el tiempo que te queda??

algún día se acabaran los granitos de arena y todo se detendrá, y la aguja sigue retrocediendo para todos, ¿quieres ser inmortal?, ¿para que??, 10 años, 20, 100 o 200, ¿cambiaran algo?, ¿serás distinto?,¿podrás salir de este rebaño y no ser una oveja mas? , la respuesta no la se. Lo único que se es que el tiempo no avanza y tampoco se detiene, solo va para atrás y nos va robando un poco mas de vida. No se ustedes, pero esta vida se resume en elecciones, en opciones y aunque parezca loko pequeñas decisiones afectan, y cambian el curso. Ahora solo nos resta decidir entre todas ellas, y buscar algo lindo, o lo menos malo, todos los caminos llevan al sufrimiento, porque sin el no se valorara la meta, el sufrir esta para algo es necesario, todos los sentimientos son necesarios, pero algunos simplemente apestan.

hay que abrirnos y expresarnos, hoy en día eso esta muy perdido( y yo tampoco soy una excepción a la regla), la verdad es que me cuesta mucho abrirme y mas con las personas mas cercanas, como mi viejo y mi vieja, a si mismo con mis hermanos y pienso, tendrán una idea de lo que me esta pasando por la cabeza, la respuesta sigue siendo.......no. Épocas distintas, generaciones diferentes, diferentes valores, creencias, obligaciones, opciones, en todo diferimos con nuestros padres, todo cambia y a nosotros nos pasara lo mismo con las nuevas generaciones, pero a pesar de todo eso, de nosotros depende dar el paso y seguir caminando, y dejarnos conocer y conocer mas a la gente que nos rodea, porque mucha gente va y viene de nuestra vida, solo ocupa un momento, una etapa, pero la familia es para siempre.

muchachos.....les agradecería que no me enviaran mas estos mails, como lo digo.... no se esas cagadas que mandan que si no envías esto, tendras mala suerte y tus deseos no los conseguirás...bueno los foward en especial, no me envíen mas boludeces....... todo bien si me escriben un mail, pero estas mierdas que no se ni quien las escribió..............y que me dicen que depende de la cantidad de personas que lo reenvíe mi suerte será distinta, y mis deseo se cumplirán mas rápido, no.

winy de Poh pasara todo un día con ustedes de Pic-Nic en el bosque.....si escucharon bien winy de poh...y el hijo de pohh, eso si vendrá toda la hinchada de chacarita de Jujuy y se las mandara a.....

ahora les voy a escribir (a diferencia de las cosas que me llegan por mail, de la amistad) lo mas cercano a la descripción de lo que es un amigo, que las palabras pueden dar.............

No puedo darte soluciones para todos los problemas de la vida, Ni tengo respuestas para tus dudas o temores, pero puedo escucharte y compartirlo contigo.

No puedo cambiar tu pasado ni tu futuro. Pero cuando me necesites yo estaré junto a ti.

No puedo evitar que tropieces, solamente puedo ofrecerte mi mano para que te sujetes y no caigas.

Tus alegrías, tus triunfos y tus éxitos no son míos. Pero disfruto sinceramente cuando te veo feliz.

No juzgo las decisiones que tomas en la vida. Me limito a apoyarte, a estimularte y a ayudarte si me lo pides.

No puedo trazarte limites dentro de los cuales debes actuar, pero si te ofrezco el espacio necesario para crecer.

No puedo evitar tus sufrimientos cuando alguna pena te parta el corazón, pero puedo llorar contigo y recoger los pedazos para armarlo de nuevo.

No puedo decirte quien eres ni quien deberías ser. Solamente puedo quererte como eres y ser tu amigo.

Y tampoco tengo la pretensión de ser el primero, el segundo o el tercero de tu lista.

bueno quería compartir esto con ustedes, esto no lo escribí yo, pero así pienso...

esto es de Borges, y es muy lindo. (el supo muy bien traducir este sentimiento a palabras)

Y no envíen mails boludos para que se les cumpla sus deseos un mail no va a cumplir nada, persigan sus deseos, luchen por ellos, y así les aseguro que se les cumplirán, les deseo un feliz día a todos los enamorados, a los que tienen su amor correspondido y a los que no, porque creo que todos estamos enamorados, en todo momento, y algunos tienen la suerte, de que sea mutuo, a los que están en pareja un muy feliz día y a los que no, bueno Yo los AMO a todos....(no se gasten en preguntar chicos no, no me como la batata, al contrario sufro de un romanticismo incurable hacia todas las mujeres, que puedan llegar a mi, digo a mi pequeño ser interior)......

y si estas preocupada olvídate, uno es capaz de juzgarse a si mismo, si tiene los huevos, no es fácil, darte cuenta de los errores, pero si vos sabes que estudiaste y te esmeraste, no tiene que haber miedo ni duda, y si una da lo mejor de si, confiando, siempre se puede, y los resultados no van a ser adversos. Yo creo que el cuerpo humano así como la mente, tienen un solo limite el que vos le pones, y si vos no te limitas, y seguís adelante vas a poder hacerlo todo. Yo por ejemplo quería ser astronauta, (que loco), pero después me di cuenta, que lo único que quería era ver la tierra desde arriba, yo quería alcanzar el cielo con mis manos, pero dando lo mejor acá abajo, lo voy alcanzar y cuando lo haga no me voy a dar cuenta.

pero algún día voy a volar, eso es algo que tengo muchas ganas de hacer, si, algún día.

.....................soñando es así como quiero vivir,.............. Y nunca quiero despertar.

pero me preocupaste, es que todavía no entendes nada, el potencial humano es infinito, el potencial tuyo es lo que vos quieras, vos le exigís a tu cuerpo y mente y el responde de acuerdo , pero te lo aseguro, no tenemos limites cuando queremos algo de corazón y sabemos que no vamos a parar hasta conseguirlo, dar lo máximo lo mejor de vos, ni vos misma sabes tus limites, yo creo que no los tenemos, yo rompí con mis limites hace rato ya sea socialmente, mentalmente, hago lo que quiero, siempre dando lo mejor, Por eso no tengo inhibiciones puedo hacer cualquier cosa no me puse limites, vos no lo hagas, la cabeza es como un músculo si no lo ejercitas pierde, es como todo de a poco, no vas a aprender física nuclear de un día para el otro, pero si con tiempo es como eso " la única causa perdida es la que se abandona ", pero siempre en positivo, siempre, pase lo que le pase a una persona hay que seguir remando, no estas vencido ni aún vencido, decía un poeta y yo le creo

ya se porque te quiero tanto, es porque en vos encontré algo que es muy difícil de encontrar en las personas, sinceridad. algunos dirán que es un defecto, yo diré que es tu mayor don.

Bueno ya esta, era eso, esa simple cosa, que no es tan simple, que a mi me encanta de vos, trata de conservarla, no la dejes ir. Lo mismo haré yo por vos, no te dejaré ir, y voy a estar aún cuando vos no me pidas que este, porque así soy yo.( y así debe ser)

bueno a otra cosa, no me pareces una mujer poco expresiva, todo lo contrario, aunque no las digas las cosas, sos muy expresiva en tus gestos, en tu cara en tu mirada, es fácil encontrarte ahí, así me doy cuenta, cuando estas bien o mal, no lo podes esconder, esta ahí en el fondo de tus ojos. Todo el mundo lo tiene, nadie puede ocultar los ojos, los ojos lo dicen casi todo. Y vos tenes una mirada especial, a veces de perdida, otra veces triste es como si te faltara algo, todavía no se, y cuando estas contenta y peleadora son las mejores, o no atleta??, igual todavía no tuvimos mucho tiempo para charlar nosotros, creo que cuando mas sinceros estamos es acá en esta caja con palabras plasmadas sobre un monitor, como vos decís es mas fácil escribirlo, después de que termine con mis cosas, voy a tener tiempo para irte a visitar, (y me vas a invitar a tomar un nesquick).

Estos párrafos son solo eso, párrafos, ideas inconclusas, sentimientos, mails (viejos, presentes y nuevos) me pregunto cuanto se acercan mis palabras a lo que intento decir?

me pregunto cuanto tiempo estaré de acuerdo con lo que escribí? , porque uno es fluctuante y dinámico, uno cambia, el tiempo, lo cambia, la vida, los sucesos, todo.

Y algunas cosas nunca cambian, en cualquier época del mundo, hubo maldad, y eso no cambia.

Por suerte la generalización de la gente es una mentira, siempre están los distintos.

Aquí hay parte de mi pasado, mi presente, y palabras a futuro, esto es vida, la mía. Los párrafos no tienen orden, no hay orden, todo se relaciona con todo, todo es un caos.

Desde sus comienzos, Pink Floyd fue una banda que se caracterizó por un compromiso de crear y producir una calidad musical mas allá de lo conocido hasta aquellos momentos. Los comienzos de los años ´60, encontraba al grupo liderado por Syd Barret, un maniático considerado genio por sus invenciones, que para la época suponían un vanguardismo total. Su creatividad se basaba en crear y acomodar extraños sonidos, que conjuntamente formaban canciones de hasta 30 minutos, a veces sin nada de letra. El pobre Barret creía que podía acentuar su originalidad dándose con LCD, crack, y otras drogas varias, que derivaron en que se le retorciera un poco más la mente y hasta intentara prenderse fuego a sí mismo y tomar ácido. El loco diamante fue internado y no se volvió a saber de sus locuras por mucho tiempo. Y así el grupo se quedaba sin genio y sin guitarrista. Roger Waters, un bajista venido a menos por aquellos tiempos, tomó las riendas e incorporó a David Gilmour para que tocara la guitarra. David apenas había participado en un par de bandas desconocidas, pero Roger sabía del potencial que él tenía. La fama no abundaba, pero con algunos discos ya a la venta, el grupo se afirmaba sacando algunos simples exitosos. Waters componía casi todo lo que salía a la venta y los demás integrantes parecían sus empleados. Pero el grupo de esta forma parecía funcionar, con la locas ideas de Roger, con la majestuosa guitarra de Gilmour y con la participación casi anónima de Wright y Mason. En un marco social muy pujante y unos años ´70 repletos de nuevos descubrimientos, surgieron las dos invenciones más grandes de Pink Floyd, tal vez dos de las veinte mejores piezas musicales de la música. Estamos hablando de Dark Side of the Moon, en 1973 y The Wall en 1978. El primero muestra una profunda crítica hacia el hombre, hacia los conceptos fijos, y por sobre todo, al capitalismo masivo, a sus causas y sus consecuencias. Apunta hacia lo mundano, con una claridad de conceptos muy interesante y, a la vez, con una musicalización impresionante. Canciones como “Us and Them”, “Money”, “Time” y “Breathe” sonaron en todo el mundo. La gente empezaba a comprender los ideales de una línea de pensamiento revolucionaria y contraria a las normas preestablecidas. Pink Floyd comenzaba a subir en fama, ventas, y sobre todo, en recaudaciones.

Pero sin dormirse, Waters siguió componiendo, esta vez con la motivación de que iba a ser escuchado por grandes masas. No quería callar sus pensamientos y sus vivencias. Por eso comenzó a trabajar en The Wall, un disco doble que se ganó un lugar privilegiado en la historia de la música. Sus letras reflejan los sufrimientos de Roger en su infancia, mostrando una ideología totalmente nueva, mejor que la anterior. Las canciones, como siempre, contenían esa calidad inigualable a nivel instrumental y las letras le pegaban duro al sistema. Los menos conocedores se quedaron con “Another Brick In The Wall” (algunos creen que se llama The Wall!) como el mejor tema, por las imágenes tan impactantes que se muestran en el video. Esa canción critica al sistema educativo inglés, el cual, según la banda, era muy estricto. Pero claro, aquellos desconocedores, tal vez por tener mayor simpleza en las imágenes en el video, o tal vez porque no lo compuso el “gran genio” Waters, no reconocen el, sin dudas, mejor tema del disco: Comfortably Numb.

Párrafo aparte merece esta obra maestra, compuesta por David Gilmour, trata de la soledad en la que ha quedado Pink (Roger), el protagonista de las situaciones que suceden en las canciones del disco, tras haber huido de todos sus miedos en la vida. El pobre Pink (Roger) se aísla, no se comunica, por miedo al fracaso, a la decepción. Pink está comfortablemente atontado, fuera del mundo exterior, del mundo ¿real?, está metido en un caparazón, está rodeado por sus propios muros, los cuales fueron construidos a partir de cada ladrillo que fueron aportando cada uno de sus principales miedos al fallo: su profesor, el médico, los militares, su madre, etc. Comfortably Numb, además de tener la mejor de las ideologías del disco, tiene la mejor música, contando al final con un solo de guitarra impresionante, que luego fue perfeccionando Gilmour.

Volviendo a The Wall en general, las canciones se muestran relacionadas unas con otras, siempre tratando el tema de la evasión a los miedos, los cuales pierden al hombre en lo material y lo convierten en un ente sin identidad y perdido en la nada. Entre las canciones, podemos encontrar a Comfortably Numb, Another Brick In The Wall, Run Like Hell, Mother, Hey You, etc., todos éxitos que la gente escuchaba haciendo cambiar la forma de pensar de un sector de la sociedad.

Con la fama ganada, Pink Floyd fue visto como un grupo revolucionario y muchos prefirieron ignorarlo. Los pensamientos de las masas de aquellas épocas estaban muy controlados y la música que hacía reflexionar no le convenía a los sectores más altos de la sociedad. Por eso, optaron por evadir la ideología de Waters e inculcar el escuchar música de contenido insulso, como los Rolling Stones o Abba (jaja), que sólo hablaba de amores perdidos. Con esta estrategia, los grandes capitalistas se salvaban de que la gente pudiera expresar lo que pensaba y así seguirlos manejando como entes, como lo que realmente era Pink (Roger). Los que más se sentían identificados con esta música eran los más liberales y revolucionarios, los cuales muchas veces son relacionados con las drogas.

Pero Waters no se iba a quedar quieto. Movido por los intereses económicos que él tanto criticaba, se empeñó en filmar la película de “The Wall”, la cual fue dirigida por Alan Parker. El contenido de la misma era reflejar un poco las ideas que traía el CD, de un modo un tanto abstracto. Mediante ironías, metáforas y dobles sentidos, mediante dibujos animados y mediante claras simbologías, la película mostraba la aislada vida de Pink en imágenes fuertes y controvertidas, que llegaron tanto a confundir, como a motivar a la sociedad al cambio. Aunque un 90% de la gente que la vio, no entendió ni la mitad, fue muy bien vista, como otra gran locura más del “gran genio” de Waters.

Pasados los grandes éxitos, Roger comenzó a aumentar sus exigencias en la banda, quería mas protagonismo del que tenía y, según se dice, se habría tornado un tanto insoportable. La separación era un hecho desde antes de The Wall, por la mala relación que reinaba entre Roger y el resto. Por eso, en 1983, después de producir un disco intrascendente como “The Final Cut”, Waters dejó la banda por un conocido gran enfrentamiento con Gilmour. Después vino el juicio por la tenencia del nombre de la banda (que perdió el “gran genio” Waters) y un cruce de declaraciones que quedó en la nada.

Era el turno de la producción de discos independientes, tanto de Gilmour, como de Waters, Mason y Wright. Volvió a escena, también, el diamante loco, Syd Barret, con un par de discos mediocres. Pero Pink Floyd, no acababa ahí.... todo lo contrario. Gilmour se adueño del lugar que dejó vacante Waters y planificó una gira mundial que tuvo un éxito récord. El desafío del guitarrista era demostrar que PF podría funcionar igual, o mejor sin Waters (el cual se volcó de lleno a utilizar sus locas ideas en nuevos trabajos individuales, sin un gran éxito hasta principios de los ´90). De esa gira se recopilaron algunos temas (eran todos re editados de los viejos, pero la mayoría eran los que satisfacían el gusto de Gilmour) y se produjo un CD doble, tal vez musicalmente el mejor de Pink Floyd en toda su discografía. Aquí se muestra una precisión y una calidad instrumental que llama la atención por ser una producción en vivo. Una mención aparte merece el solo de guitarra en Comfortably Numb, en el cual Gilmour se destaca como nunca, deleitando a cualquier persona que escuche tal demostración musical.

Luego de las giras, llegó “División Bell”, el primer CD producido en un estudio sin Waters. Las letras son totalmente de Gilmour y se destacan temas como High Hopes, What Do You Want From Me, A Great Day For Freedom y sobre todo, el tema instrumental Marooned, donde Gilmour una vez más toca la guitarra a la perfección. David aparece como un compositor más complicado de entender que Waters, siendo las letras de este CD casi inentendibles leyéndolas de corrido. Ahora que Gilmour tenía sus propias letras, no se podía quedar sin una gira para mostrárselas al mundo, así que planificó un nuevo viaje, en donde el grupo dio espectáculos increíbles, con una tecnología de última generación. Luego de la gira se produjo el último CD de la banda, PULSE, que era otra recopilación de varios temas grabados en vivo y que traía una tapa original y llamativa. La banda ya llegaba a su fin, a Gilmour se le acabaron las ganas de componer y de viajar, y se dedicó a pleno a su vida personal, aunque hace unos dos años sacó un nuevo disco solista.

Entre los temas destacados que no se mencionaron de la banda, encontramos Shine On You Crazy Diamond (dedicada especialmente a Barret), Wish You Were Here, Learning To Fly, Sorrow, On The Turning Away y se podrían seguir nombrando. Los cuatro integrantes separadamente siguieron sus carreras solistas y siguieron enriqueciéndose y haciendo aquellas cosas que ellos tantos años criticaron.

La obra de Woody Allen es tan vasta y compleja que la simple idea de descomponerla nos pareció tan ridícula que dijimos “tenemos que intentarlo”. Sobre todo porque no leimos ninguno de sus libro, y probablemente nunca lo hagamos.

Lo primero que habría que decir sobre este hombrecito es que como todo artista su arte no es despojado, impersonal, sino por el contrario fuertemente autobiografico. Por ende, si indagamos en su vida, la vida de un hombre que se sintió rechazado por su familia, su religión, sus compañeros, podremos entender como llegó a crear sus obras.

Allen nació en el seno de una familia bien asentada y preocupada por el dinero y no tanto por él. El pelirrojo, tímido y flacucho, vivió casi anónimamente su infancia y adolescencia, siendo su paso por la escuela vagamente recordado, a pesar de su coeficiente elevado sobre el promedio. Inclusive hay alusiones en sus films a sus padres de mano larga. En otras palabras, de chico Woody era un mediocre, y ninguno de sus compañeros hubiese imaginado que el pibito que se sentaba atrás de todo en silencio y se rateaba iba a ser un aclamado director de cine. Asi que, jóvenes, miren bien alrededor, que las joyas brillan en los rincones más recónditos.

La vida de Allen, y por ende sus films, están marcados por esta insatisfacción que siguió a Allen en sus años de formación, sin encontrar un rumbo, aburrido fácilmente y de gustos controversiales, mago frustrado, estudiante mediocre. Este es el principal aspecto que compone a los antihéroes neuróticos encarnados mayormente por Allen: la insatisfacción, la marginación, esa sensación de no pertenecer, de ser basura. Los personajes de Allen sufren de falta de personalidad y por ende apenas confían en sí mismos. Caminan perdidos por el mundo, sin animarse demasiado a buscar su rumbo. Esta es la sensación que Allen probablemente sentía cuando comenzó a ir a terapia. Miedo y obsesión hacen al retrato del neurótico, que busca certeza, seguridad, algo, una verdad absoluta, que les permita dormir tranquilos y levantarse tranquilos y sin miedo. En otras palabras, cada película de Woody tiene un Woody en pantalla, un neurótico buscando certezas en medio de un mar de incertidumbre. El mar de incertidumbre: la ciudad, cuna de comodidades, donde se mezclan todas las religiones y chocan los valores, donde el hombre se pierde en vez de encontrarse. Allen retrata el ser urbano, con sus problemas urbanos: la falta de compromiso que hace al hombre que teme, la necesidad que hace al hombre que se siente vacío, en fin, el hombre y la complejidad.

De Woody

Nacido Allen Stewart Konisberg, en 1935, estudiante anónimo, trabajó desde joven en la comedia, contando chistes en diarios y siendo descubierto a los 16 años. Estudió unos meses en la Universidad de Nueva York, hasta que lo echaron, luego fue contratado por la NBC y se dedicó al estudio de la filosofía. Autodidacta, ganó fama de joven como cuentista, y de allí comenzó a escribir guiones para poner en escena. Luego de un largo historial de vagabundeos por todo Maniatan en diversos trabajos desde la comedia hasta la prosa, en la década de los 60 hizo su debut en el cine con Que hay de nuevo Pussycat?, comenzando así su larga y prolífica carrera en el cine.

Y todo ese Jazz...

Woody nació, vivió, vive y vivirá contaminado por el éxtasis de la diversidad de la ciudad que enamora a todo norteamericano, Nueva York. La ciudad es otra protagonistas más de las películas de Allen, retratada con cariño, con ironía, con belleza, con niebla, con nieve, con felicidad, con tristeza... La ciudad donde todo puede pasar. De allí, de los bares en los que actuaba de joven, del ambiente en el cual creció, Allen no solo desarrolló gran parte de sus ideas, sino también se enamoró del jazz y del blues, siendo este otro rasgo distintivo de la filmografía Allen.

Que es esta complejidad? Temor, necesidad de trascender ese temor y amar, necesidad de encontrarse, temor a encontrarse, en definitiva, la complejidad humana comienza en el instante que el hombre teme y deja de obedecer la voluntad de sus deseos. La complejidad nace con el temor más humano de todos: la muerte, el temor al fin. El temor a la muerte es inherente al neurótico, al inseguro, al ser urbano, pues desde el temor a ser nada, a no existir, nacen los demás temores, y por ende la incapacidad de abrazar a la vida. Por ello, cuando los antihéroes de Allen vencen ese miedo logran amar, comprometerse, y por fin alcanzan la felicidad.

El planteo de Woody es: probablemente acá no haya ningún sentido, probablemente no haya nada después de la muerte, probablemente no exista Dios ni ninguna moral por la cual nos podamos regir con total seguridad. Probablemente “el unico conocimiento alcanzable por el hombre es que la vida no tiene sentido”, como dice la cita de Tolstoi aparecida en Hannah y sus hermanas. Pero de allí mismo nace la comedia de Allen, ese estilo que ríe se ríe de la mediocridad y la fragilidad humana: si la vida no tiene sentido, la podemos vivir en el sentido que nosotros elijamos, somos verdaderamente libres para elegir la vida que querramos, no hay nada del otro lado que nos azote, y si después desaparecemos, por qué preocuparse? “Cuando esté muerto, no me voy a dar cuenta”. Esta es la tragicomedia de la existencia. Las búsquedas de los personajes urbanos creados por Allen se obsesionan por la muerte hasta que comprenden su inevitabilidad, e iluminados por esta certeza, la certeza del fin, se entregan a la vida. Como bien dice el pelirrojo, “sonreí, solo estas fatal”.

Efectivamente, el mundo de Woody es un mundo despojado, despojado de religiones, dogmas, de leyes universales, a la merced del azar. El antihéroe de Allen a menudo es un pobre diablo, con mala suerte y peor predisposición para vivir, una burla, pero una burla “con onda”, una burla que se burla de sí mismo. Así, de la tragedia de la frialdad absoluta nace la comedia, siendo este estilo tragicómico, esta “autoburla”, esta desmitificación de la tristeza, el patetismo y la muerte, el estilo que hace el estilo de Woody Allen una marca registrada.

Pero como decía antes de irme por las nubes, en el universo de Allen no hay nada, solo el absurdo de la realidad sin sentido alguno (como se escucha en tono de burla en algún film, “la vida es el sueño de un perro”). Ya no haber leyes de ningún tipo, quién controla la moral, quien decide que es el bien y que es el mal? En Crímenes y Pecados Martín Landau cuenta al final como un hombre que robo, fue infiel y hasta fue quien ideó el crimen de su amante puede finalmente seguir adelante, olvidar todo eso, y vivir sin cargo de conciencia. El idealista, el documentalista enamorado y sin un peso que cree en cierto orden como todos los románticos, propone cambiar el final de la historia, terminarla con un hombre perseguido por su pasado, por sus crímenes, atormentado. A esto, con contundencia responde Landau: “pero eso no es real; en el mundo real la gente olvida y sigue adelante”.

Crímenes y pecados, la versión de Allen del libro de Dostoievski Crimen y Castigo, es el film que más profundamente trata el tema de la moral en Allen. Y las conclusiones son unánimes: el criminal vive feliz, el filósofo enamorado de la vida se suicida dejando una nota que dice “salí por la ventana”, todo indica que Allen piensa que la moral es un artificio del ser humano, que puede quebrarse y que si se supera el miedo que impone la sociedad a quien trasgrede las reglas, se puede continuar viviendo como si nada hubiese ocurrido. Y la lucha moral que se lleva a cabo dentro de cada personaje como ocurrió en el joven Allen, la lucha que ocurre cada vez que hay que tomar una desición que trasgreda la religión, la moral y demás, esa lucha es en realidad innecesaria. El hombre cree, cree en la religión, en el amor, en la vida después de la muerte, solo para tener esperanzas, aunque así se ate a ciertos dogmas. Pero en realidad, es libre de hacer lo que se le antoje en el mundo, inclusive ser un criminal, y si la ley no lo castiga, el puede elegir no ser castigado por la moral. Es decir, en un mundo sin moral, todos podemos hacer lo que querramos. Si solo supieramos...

En medio de toda esta confusión, el neurótica calma sus nervios con distintas soluciones: amores livianos, alcohol y demas escapes que acompañan la postura cobarde del hombrecito. Si esta casado, su relación es un desastre, es o será infiel, o le serán infiel. Casado como fruto de su necesidad de amor, pronto llega la resaca de la ilusión y ve a la mujer a su lado sin reconocerla, y ya no siente nada. Angustiado, nuevamente sin rumbo, el neurótico se entregará a sus vicios, y la infidelidad es uno de ellos, un placer instantáneo que responde a una necesidad inmediata, lujuriosa.

Si no está casado, está solo, y sus relaciones terminan desastrosamente mal, ya sea por los arranques del neurótico, que nacen de su rechazo natural por el mundo y de la represión de sus sentimientos, o por la falta de compromiso de este. La vida del neurótico es, como vemos, vacía, sin sentido, y reconociendo en el amor algo nefasto y doloroso que saca a relucir se mediocridad.

Pero entonces, por una ridícula sucesión de hechos obra del destino que imagina Allen, un destino manejado caprichosamente por el azar, el neurótico se pone a prueba y, al comprender la inexistencia, lo ilusorio de este mundo sin ideologías, descubre que no hay nada que temer, se redefine, se conoce, deja de tener miedo a su propia inexistencia.

Finalmente, como Allen soñó, la vida toma un significado: la única respuesta a todas las preguntas es el amor, y aunque duela, es todo lo que nos queda en un mundo despojado. No es casual que en el ir y venir de sus obras, entre infidelidades, mentiras, relaciones rutinarias y soledades, los personajes culminen realizándose, encontrándose, y al mismo tiempo, encontrando el amor real. Desde el hombre que sigue su sueño de mago frustrado en Sombra y Niebla (el sueño de Allen de niño) hasta el hipocondríaco de Hannah y sus hermanas, todos dejan atrás su mediocre inexistencia y sus miedos y encuentran su propio sentido al mundo. Eso es, para Woody Allen, la felicidad.

Pedro Garay

INDICE

Por enesima vez terminamos de ver FLCL entre amigos, algunos que ya la han visto y se regocijan en la oscuridad, y otros nuevos a la serie que… bueno, se encuentran un tanto confundidos, mareados, y con la sensación (correcta) de que no entendieron nada. Y timidamente, como si temieran preguntar alguna ridiculez, comienzan las preguntas, y nosotros, snobs de nacimiento, comenzamos a responder una a una las preguntas con una sonrisa grande, casi sobradora, en la cara y recostados en el sillon como si fuese el elixir, como si realmente supieramos la respuesta a todas las preguntas. Lo cual es una gran mentira. Entendemos mas que ellos, ordenamos la serie y sabemos algo, es cierto, pero no sabemos un solo hecho con certeza.

La vida en Mabase

Como los adictos, ahora que admitimos que no sabemos nada, empezamos el camino para saber algo. Y dentro todo este delirio comienza a haber muchas mas certezas de las esperadas, como si todo caos tuviese un sentido.

Naota vive en un pueblo donde “nunca pasa nada”, como el mismo repite durante toda la serie, a pesar de los hechos que alli ocurren. Es que la vida para el esta en otra parte, pues allí, en un lugar tan cerrado, dominado por adultos, se siente completamente encerrado. Lo mismo le ocurre a la pobre Mamimi, abandonada por su amor, el hermano de Naota, e irremediablemente buscando ocupar su lugar, al punto de negar que Tasuku ha dejado Japón para jugar béisbol. Y aunque Mamimi este tocándose con Naota, no pasa nada fuera de lo normal. Esa es la sensación que tiene Naota, de aburrimiento, y eso mismo, y el hecho de que se repita en toda la serie que “no pasa nada”, nos llevo a pensar que quizas, que a Naota le salgan robots de su cabeza, trasportados de hemisferio a hemisferio del cerebro, no es mas que la expresión de que Naota quiere salir y usa su imaginación para acabar con el embole, creando robots gigantes (lo del trasporte de materia en los denominados canales NO, es, como parece ser unanime en los foros, una metáfora de cómo Naota transporta materia de su hemisferio encargado de imaginar, el izquierdo o el derecho, ya ni sabemos, al opuesto, el encargado de materializarlo; es decir, Naota imagina cosas y son creadas, salen de su cabeza, por ello mismo, la cabeza de muchos, los que no tienen talento, no sirven). O sea, todo FLCL podria ser el medio que usa un pibe para acabar con su vida patética. Eso mismo nos dice Haruko, en el episodio 4, cuando Takkun le pregunta que carajo es: “soy la ilusion de la adolescencia en el corazon de un niño”, responde la extraterrestre-ama de casa vaga. Y Takkun responde “que es eso, anime?” y todos reimos por la sucesión de parodias al anime como genero serio (las escenas hechas como manga, el padre hablando de Initial D como un fan loco y otras tantas, parodias usadas por la gente de Gainax, como tantas otras veces, para desmitificar la seriedad del anime y divertirse un rato a cuestas de los snobs).

La cuestion, si hay alguna cuestion, es que a partir de que el primer robot-medio de esparcimiento sale de la cabeza de Nandaba Naota, todo, como el mismo lo dice, pierde el sentido de la realidad, confundiéndose verdades y mentiras, desde Mamimi y Haruko hasta su compañera Ninamori, la muchacha que sin dudas se llevó todas las palmas en el Festival de la Casa de Pedro, más que la reventada de Mamimi, que suele ganar en popularidad gracias a su look “never knows best”.

El conflicto universal

Caos, caos y mas caos. Se suceden robots que pelean, Mamimi intenta quemar las ruinas del colegio, Kanchi, el primer robot que salió de Naota, ahora un criado tras haber perdido su color rojo (gracias a un guitarrazo de Haruko), su poder, las destroza definitivamente y entabala amistad con Mamimi, Naota decide no abandona a Mamimi, Haruko es despedazada por un gato... que carajo es todo esto???

Hubo que ver todo varias veces para empezar a entender las cosas: Kanchi es un robot “domado” de Medical Mechanica, y todos los robots los manda la compañía de la plancha para que se unan y activen la planta (son todas partes del cuerpo). Domado, Haruko lo usa a su parecer, pues su objetivo... y aca las cosas se ponen engorrosas. Al parecer el objetivo de Haruko y su The Fraternity, con los cuales se comunica a traves de los gatos (tendran grandes canales NO, uno supone), es obligar a MM a sacar al Rey de los Piratas, Atomsk (nombre de una novela viejita de Sci-Fi de), para recuperarlo. MM, por su lado, es la representación del colonialismo, intentando “planchar a todos los seres del planeta”, es decir, hacerlos a todos iguales, sin pensamientos originales, como maquinas. En el medio esta la Policia Interestelar, podrida de que The Fraternity haga quilombos pero sin nada de ganas de darle el universo a MM, y mediando entre todos para que convivamos mejor. Kanchi es el robot diseñado para transportar a Atomsk, encerrado por los muchachos de MM. A Haruko no le importa mucho el planeta, quiere al Rey Pirata, y por eso se apodera de Naota, que tiene el poder de transportar los robots, y hace copias mecánicas suya y de su padre, en ese capitulo tan extraño y bien dibujado en el que tambien vemos como Haruko vuela despedazada por Miu Miu, el gato de la familia. Detrás de todo esto (que no entendimos demasiado bien...) pudimos darnos cuenta de que: a) el director juega con el concepto de realidad e irrealidad como se le canta, para confundirnos y reirse de nosotros... fiel discípulo de Hideaki Anno; b) todo este caos representa la adolescencia de Naota, sus hormonas a full, por eso la cantidad de insinuaciones y violencia y caos; c) el dolor en el mundo que crea Naota no existe, aunque todo explote, se despedace, muera...

Todos los acontecimientos llevan al enfrentamiento final entre todas las fuerzas en pugna: MM, The Fraternity y la yuta del espacio. Un Amarao celoso intenta reconquistar a Haruko, y esta saca una gomera-guitarra de su cabeza, mucho más pequeña que las guitarras de Naota, y después de lo que le dice la alien-mucama no quedan dudas de que es una alusion que relaciona la hombría con el talento. Pero Amarao debe continuar su misión, parar a la mina esta para evitar que MM mate a todos, y pretende que Naota siga su camino, el camino a salvo de la magia de Haruko, y se esconda atrás de un par de cejas rectangulares. Naota ha rechazado recientemente por Mamimi, demostrando que no lo quería realmente y causando un nuevo desborde de Naota, al ver destruida toda la confianza que había acumulado al hacer valía y finalmente batear, ponerse a prueba. Y por un momento sigue el camino de la seguridad. Pero al reencontrarse con Haruko, se fuga con ella, y ambos se dirigen hacia MM en el momento en que la planta esta por activarse. Claro, a Kanchi defectuoso, parte del núcleo que tiene que activar la planta, le falta algo, y ese algo solo se lo da Naota, y ese algo es capaz de traer a Atomsk al lugar (dice Amarao: “cuando se pone rojo, es Atomsk”). Por eso, Haruko tira (literalmente) a Naota hacia Kanchi, siendo devorado, y estando completo para activar la planta. Haruko solo quiere a Atomsk, asi que no le importa en absoluto que MM planche a todos, pero sus planes se ven frustrados, Naota se niega a ser un mero instrumento, cobra vida, se arriesga por sus sentimientos, se roba los poderes del Rey Pirata, derrota a Haruko y ahí mismo, cuando todos esperan el golpe final... le dice que la quiere. Liberando asi al Rey Pirata y dejando ir una vez mas lo que quiere Haruko. Haruko se va, pero Naota se queda. Le falta crecer. Y cruza el puente todos los dias, demostrando que hay algo mas alla de Mabase. Y aunque todavía no le guste lo agrio, no tiene pporque forzarse a tragarlo... ya aprendera a lidiar con lo agrio de la vida.

Y luego de todas las explosiones, de toda la locura, todo el sentido. Y la imagen de un chico con su guitarra, tras confesar su amor. En un mundo donde toda esa locura, todo ese delirio, toda esa adolescencia dominan todo, de repente todo es equilibrado, agridulce, caótico y a merced del azar pero lleno de cosas por las que vale enfrentar ese caos y ese azar. Lleno de ramen horrendo por descubrir... y precioso por eso.

Luchitas de robots? Extraterrestres? Pilotos talentosos? Esto a todos nos suena a plagio. Por empezar hay que decir que el valor de FLCL reside en la creación de una atmosfera, un mundo totalmente caótico y preciosamente descontrolado justamente en el seno de un pueblo “en el que no pasa nada, nunca”. La linea se repite constantemente, con otras señas, como el humo que cubre el cielo y no deja ver mas alla, la mano que vigila, la presencia abrumadora de adultos sin rumbo en la vida, que nos hacen notar que Naota se siente encerrado en Mabase, y quiere salir, como lo hizo su hermano, y como termina por hacerlo Mamimi, sobre el final de la serie. Y si, como todas las series de Gainax, esta es una serie que trata sobre el crecimiento de un chico. Naota, atrapado en un mundo de adultos imbéciles, se ve envuelto (o se envuelve; ya explicamos lo que podria significar el pasaje de materia desde un hemisferio a otro del cerebro) en una situación que lo hará comprender su rumbo en la vida. Totalmente enfrentado con su padre y todos los adultos de Mabase, adultos que no lograron salir, que nunca se encontraron, que nunca maduraron, Naota trata todo el tiempo de actuar como un chico maduro, controlándose y no dejando nunca salir sus verdaderos sentimientos a la superficie. El hecho de que no batee nunca refleja este encierro de Naota en si mismo: Naota se niega a mostrarse tal cual es, por miedo a ser juzgado, y se esconde bajo su faceta madura, pretendiendo ser superior a eso que tanto teme. Logrando el efecto contrario, justamente, el de no conocerse, y justamente ese rol desarrolla Haruko. Haruko proviene del exterior, de ese mundo que anhela Naota. Pero Haruko tiene una actitud tan despreocupada que en realidad parece a los ojos de Takkun como una adulta imbecil mas, y mientras lo atrae su condicion de extranjera, lo rechaza esa actitud inmadura. Sin embargo, Haruko se filtra a traves de las defensas de Naota y comienza a hacer que se descubra a si mismo, poco a poco, para su beneificio, ya que mientras mas se conoce, mas poder tiene, y mas capacidad para recibir materia interestelar, por ende. Es Haruko la que envia el mensaje fundamental en FLCL: de vez en cuando es divertido comer ramen horrendo. La conciencia de ello es lo que hace que Naota, finalmente, se juegue por Haruko, en vez de elegir la seguridad propuesta por Amarao (otro adulto inmaduro que no sabe que quiere, si ganarse a Haruko o salvarse de sus poderes mediante sus pestañas). Pero se juega a su manera; es decir, Haruko ha hecho tan buen trabajo que ha capacitado a Naota con un poder tal que se convierte en el Rey Pirata, es decir, se convierte en el mas poderoso de todos (y no en un mero conducto de materia), pues esta convencido de su objetivo y piensa llevarlo a cabo sin miedos: al declarar su amor a Haruko, Naota crece, abandona el miedo a ser el mismo. Pero, como bien dice ella, todavía es chico, le falta camino por recorrer, todavía le desagrada lo agrio (lo agrio y picante representa lo desagradable, el dolor que esquiva Naota hasta el final). Es decir, en el curso de la serie, Naota finalmente batea, se pone a prueba, y desde entonces, comienza a ser el mismo, por momentos con excesiva confianza (el episodio 5), hasta que descubre los peligros de jugarse completamente, y finalmente, conciente del peligro, decide tomar el riesgo. Y lo hace no con un bate, que fue el arma de su hermano para dejar Mabase, sino con una guitarra, el arma que lo hara, algun dia, dejar ese pueblo (de ahí que en el capitulo 4 su “bate” sea una guitarra)

Bueno, eso si que se hizo largo. Ahora habria que hablar de la pobre Mamimi, eternamente reemplazando a eso que anhela y desaparecio, el hermano Tasuku, esquivando su pasado, esquivando todo dolor que la lleve a “desbordarse”. Cuando finalmente acepta a Naota (al irse, le dice “adios, Naota-kun”, en vez de Takkun, el nombre de su hermano que lleva Naota como una carga durante toda la serie), no solo reconoce su identidad, sino que deja de huir del mundo (de hecho, Mamimi siempre da esa sensación de “ida”) y acepta la realidad. Es en ese momento que crece, y entonces deja Mabase, el mundo de la inmadurez, gracias a su arma, su camara de fotos.

Durante la serie todos los personajes demuestran esta idea de que “para ser maduro hay que saber jugarse por los sentimientos, sin importar lo agrio de la botella o lo asqueroso del ramen, porque ahí esta el sabor de la vida”. Ninamori, que todavía en el final del capitulo 3 no estaba lista para mostrarse, en el ultimo capitulo dice que finalmente dijo lo que sentia “llorando como loca”. Haruko, la dueña de la verdad en FLCL, persigue por todo el universo eso que quiere, sin importar las consecuencias. Los adultos, en cambio, no saben su lugar en el mundo, y viven atrapados por ende.

Mucho mas liviana que la enseñanza de Evangelion (pero esencialmente similar), la moraleja de FLCL es igual de poderosa, reivindicando la belleza de lo agridulce, el amor y los sueños sobre todo.

FLCL es el diminutivo de Fooly Cooly, la inscripción que aparece debajo de la foto que toma Mamimi de Naota con la guitarra de espaldas. Y Fooly Cooly, aunque es una teoria resistida en los cafetines donde discutimos usualmente de los films de Pier Paolo Pasolini y Bigas Luna y de vez en cuando, de anime (o sea, ninguno), es el equivalente a Furi Kuri, ya que en Japón “r” y “l” son lo mismo. La traducción literal de Fooly Cooly es algo asi como “tontamente en onda”, definición perfecta para Naota.

Y de pronto, tras haberle encontrado un sentido, un posible orden la locura de Tsurumaki y su serie enferma, nos damos cuenta de que solo se complicaron mas las cosas, imágenes y dialogos toman rumbos, interpretaciones de lo mas variadas, la serie se abre ante un nuevo desorden... y ahí nos damos cuenta. Entendemos la carcajada de Tsurumaki mientras explicaba que su serie queria, opuestamente al planteo de Eva, proponer lo bien que esta no pensar. Entendemos que al final “la unica ....”. Entendemos. Y nos reclinamos una vez mas en los sofas, y nos preparamos para disfrutar de una nueva maratón, de ese maravilloso caos que propone Tsurumaki, delicioso delirio de la realidad.

Pedro Garay

Puntaje Akai Sora

Rating

Animación: 95%

Musica: 110%

Guion: 100%

Personajes: 100%

GENERAL: 98,75%

En el cielo rojo, FLCL tiene SEIS ESTRELLAS

Nota: mientras el rating apunta a un análisis mas objetivo de la serie, basado en cuestiones técnicas y por ende analizables, la cantidad de estrellas otorgadas a una serie dependen de la impresión causada, y se basa en cuestiones mas subjetivas, atmosferas, situaciones que nos identifican, momentos copados, etc., y es por ende la muy (muy) discutible opinión de un miembro de nuestra comunidad, asi que si quieren quejarse, manden mails a la casilla del escritor, en vez de a la revista, okey?

Sin proponérselo, en 1995 la gente de Gainax, a partir de la creación de Evangelion, comenzaba una nueva era en el anime, una era marcada por los ritmos vertiginosos, la violencia, las tramas adultas, crudas y complicadas, sucesión de imágenes a gran velocidad que crean en el espectador la sensación de que la obra que sucede ante nosotros nos atrapa, nos envuelve y nos deja sin aire. Mientras que paralelamente la industria del anime, de gran crecimiento durante la decada del 90, intentaba recuperar su trono de ganacias faciles a traves de animes formulados, simples e introduciendo nuevas tendencias en un mercado japones cada vez mas abierto, el nuevo anime se multiplico hasta convertirse en otra faceta de esta industria, siendo de una vasta producción muy pocos los proyectos verdaderamente valiosos, adultos y capaces de crear atmosferas abrumadoras y vertiginosas con un fin, y no simplemente con el fin de lucrar a traves de una nueva tendencia. El anime no ha visto un movimiento solido, real, desde los comienzos del 80, la decada dorada, cuando se sucedieron numerosas producciones originales que hoy son leyenda (y a traves de las cuales hoy algunas compañías pretenden ganar dinero: uno de los estandartes de la lucha del animeindustrial son las numerosas remakes y continuaciones de animes gloriosos). Y básicamente, el nuevo anime es una mezcla de el anime de aquel entonces, el anime fiel a la cultura y la escencia japonesa, y el anime comercial, que introdujo al mercado las tendencias occidentales. El nuevo anime es el balance de ambas: el toque vertiginoso y “vacio” de las series, películas y demas producciones de EEUU; el drama humano, la calidez de los personajes y atmosferas apocalípticas.

El anime ochentoso reflejaba la cultura japonesa de aquel entonces, una sociedad marcada por la muerte y el anuncio del Apocalipsis dada la bomba nuclear, pero de un claro hermetismo, costumbrismo y pacífica vida tradicional. Ambas convivían perfectamente en las historias de aquellos días. Pero el crecimiento capitalista de Japón generó el efecto globalización: perdida de identidad, afan de lucro, comodidad excesiva. El alma del anime desapareció cuando se industrializó la creación, y durante varios años apenas unas pocas compañías lograron sobrevivir y crear proyectos propios, con muy poco dinero, eso si. A menudo las propuestas mas interesantes de los 90 cuentan con bajísimo presupuesto y poco apoyo, y las más trilladas son las que gozan de increíble animación.

De esa sociedad vacía de la denominada Bubble Economy, de la crisis que generó ese capitalismo salvaje, de la confusión de las nuevas generaciones perdidas entre las herméticas costumbres en retroceso y las nuevas propuestas con que eran bombardeados, nace hacia fines del 90 una serie de animes que cuestionan al Japón, al Japón que pierde su identidad, al Japón envuelto en el vacío, al Japón donde importa solamente el trabajo, donde no hay madres y padres, donde el Apocalipsis es inminente. Japón perdía aquel fulgor con que brilló en los 80, y la entre numerosas crisis los nuevos creadores expresaban su indiferencia y su incapacidad de encontrar certezas en medio de aquel embrollo. Expresaban su propio encierro a través de sus obras, como ha sucedido a través de la historia.

Y lo expresaban, curiosamente, influenciados por las viejas y gloriosas obras que atestiguaron de infantes, pero tambien por aquellas nuevas tendencias con que habían crecido. A medida que los pocos sobrevivientes de la epoca dorada van cayendo y desapareciendo, muchos pierden la esperanza de ver aquellas clásicos dramas teñidos de cálida humanidad y toques comédicos y esperanzadores en las nuevas propuestas de creadores que apuntan a la seriedad, a la humanidad como androides fríos, inertes, y en resumen, a la visión de un mundo sin demasiada esperanza. El nuevo anime se torna cada vez mas oscuro y abrumador. Pero el pasado es irrecuperable. No sirve de nada desear el regreso de algo que ya ha sido. Solo nos queda desear el regreso del anime a la independencia de la producción en masa, al desarrollo de proyectos nuevos, oscuros o no, tradicionales o revolucionarios, pero sobre todo, a la creación de anime con personalidad, con espiritu, con escencia, ya sea una escencia que refleja la fria realidad de Japón o la escencia que refleja la calidez humana en medio de un mundo confuso. Anime con personalidad.

*Reconocido alpedista, ganador del Premio al Mejor Entrenador de Hormigas en 1931 y premiado con un docotorado honorario en Cs. de la Inexistencia por su larga e ineficiente carrera al borde del sillón.

Tinta China

Historias simples para el corazón

Pocas veces he leído un manga con tanto placer y admiración por la simpleza y originalidad del autor. Touch, conocido en España como Bateadores, y desconocido en Latinoamérica casi completamente, es una de las mejores historietas del mangaka Adachi, un tipo que con sus historias tildadas muchas veces de “normales” y su dibujo muchas veces caracterizado como “simple”, ha logrado superar la linea de los 100 millones de ejemplares vendidos en Japón y a pesar de ello, y de ser uno de los mas grandes mangakas en su país, permanece un misterio en America, gracias a la idea de “mientras más barato, mejor” que manejan los ejecutivas de por aca.

Pero como un tipo sin habilidades artísticas para el dibujo y sin historias complejas puede ser tan exitoso? La respuesta es simple: el estilo del autor, un estilo muy personal apenas comparable estetica y esencialmente con el de Rumiko Takahashi, se basa en la simpleza, la cotideaneidad, la expresividad de los rostros y la palpabilidad de los sentimientos a través de dibujos y guiones simples, y no en dibujos pomposos y tramas complejas y de alta adrenalina. Y aunque es posible que entre los otakus mas nuevos, acostumbrados al dinamismo, Adachi no caiga muy bien, el autor es un claro exponente de la vieja escuela del manga, un estilo que no usa sombras prácticamente, cuyo dibujo es bien delineado y un tanto caricaturesco, redondo, por decirlo de alguna manera. Pues el gran valuarte de las historias de Adachi no es (y si que me llevo tiempo encontrar el modo de decirlo sin menoscabar al autor) el arte, que aunque antiguo es muy bueno, ni las historias, que giran alrededor de los mismos temas, sino en la atmosfera que genera a través del humor “sano” y la calidez de los personajes: lo que hace tan valiosas a sus obras es la pureza que emana de ellas. Sin necesidad de introspecciones y situaciones extremas y muertes (...), Adachi construye una imagen conmovedora de sus personajes, logrando que su naturalidad y calidez finalmente nos envuelva, mas que todos esos personajes sufridos y tan bien construidos por los mangakas new generation.

El manga

Touch, que era el manga en cuestión, por si se habían olvidado, es la historia de dos hermanos mellizos que son amigos intimos, pegados con Plasticola (la de antes, la de ahora no pega nada excepto los dedos), de su vecina desde que eran chiquitos. Pero cuando crecen, y se dan cuenta de que uno de los tres es una mujer, comienza Touch. Tatsuya, el mayor de los mellizos, es un vago que no hace nada, y su hermano Kazuya, alumno ejemplar y pitcher de gran futuro para el béisbol japones que se perfila como novio futuro (y perfecto) de Minami, la vecina, a la que le prometio que la llevaria a Koushien, el lugar donde juegan los campeones de béisbol de la secundaria. Ahora, mientras que el hermano perfecto se entusiasma, y el pobre hasta cree que tiene novia, y hace todo lo que esta en el poder de los chicos puros y tímidos (o sea, casi nada) para ganarse a Minami y llevar a Koushien a Minami para cumplir su sueño, su hermano mira televisión y lastra galletas. No le interesa Minami? Por el contrario. En el fondo Tatsuya es tan bueno que le deja el camino libre a su hermano convirtiéndose en su sombra y resignando sus propias posibilidades. Resulta que el vago en realidad es mucho mas talentoso que el perfecto, que labura día y noche para poder cumplir el sueño de Minami. Pero nuevos inconvenientes se plantean cada vez que a Tatsuya lo comparan con su hermano, y se enoja y demuestra lo que sabe. Tatsuya no soporta ser comparado con su hermano, pero por otro lado quiere jugar al béisbol, y no lo hace por una mezcla de miedo a ser peor y de interferir, guardándose todo adentro para no herir ni herirse. Pero Minami se perfila cada vez mas hacia Tatsuya, y Kazuya sigue intentando cumplir el sueño de Minami, y “que hará una mujer por el hombre que cumplio su sueño?”. Y en medio de esta telenovela, Kazuya llega a la final, y a punto de cumplir el sueño de Minami declara su amor. Y al otro dia parte al estadio... y muere. Kazuya es atropellado, y Tatsuya, que había salido a su encuentro para darle un amuleto de la buena suerte, decide reemplazarlo en la final. Con el aval de los jugadores, Tatsuya lanza por un hermano que todos sienten presente. Y luego enfrenta el vacío. Que hacer? Luchar por llevar a una desconsolada Minami a Koushien a riesgo de ser comparado? O continuar al margen? El bueno de Tatsuya elige el camino de la lucha, la lucha por encontrarse a sí mismo, a su lanzamiento, exorcizar el fantasma de su hermano y ganar el corazón de Minami.

Touch es un manga sobre la imposibilidad de huir de nosotros mismos, y lo imortante que es enfrentarse a uno mismo para crecer.

Touch fue serializado en el Shonen Jump desde diciembre de 1981 hasta 1986, y compilado en 26 tomos. Norma Editorial sacó una edición a prueba que abarcó los primeros 3 tomos, pero como los españoles se dedicaron a pensar con sus órganos sexuales y no con su corazón, series como Estas arrestado! continuaron por varios tomos y series como Touch no fueron continuadas.

Pedro Garay

ULTIMO MOMENTO: Otakuland y Ediciones Manga, dos editoriales pedorrisimas de España, se pusieron las piletas y comenzaron la edición del manga de Touch! Mejor aún, cada volumen consta de 400 paginas, o sea, de dos volumenes, y cuesta apenas 12 euros, precio ciertamente accesible (son 36 pesos por volumen español, que trae dos volumenes japoneses). Por lo que se comenta, la edición no es del todo buena, pero al ritmo que van en cuestión de meses habrán superado la traducción de Mangaproject. A ahorrar!

Estamos aquí reunidos, ni más ni menos, para hablar sobre las tres películas que retratan más impresionantemente el futuro de nuestro querido planeta Tierra (aunque tengamos poca evidencia de los largometrajes de las eras antiguas, aún hoy se pueden ver en las cuevas los posters de las películas que hacían furor en aquella época, como “Lo que el Dino se llevo”, y “Hoy pinte un Mamut”) y de la humanidad. Tales películas son, a saber: Blade Runner, Artificial Intelligence (Inteligencia Artificial en español) y Minority Report (Sentencia Previa (¿?) en español). Hablemos brevemente sobre ellas.

Blade Runner (Blade corre y Luke (Skywalker) camina en el cielo) está ambientada en un futuro no muy lejano, y es básicamente la historia de un detective que es contratado por la policía para que encuentre y asesine a 5 réplicas (de cuadros no, de seres humanos!! :O) que secuestraron una nave para volver a la Tierra a buscar a su creador. El detective se llama Rich Deckard, caracterizado por Harrison Ford (foto), en la época en la que todavía era un modelito y tenía más facha que arrugas. En el principio del film, vemos la siguiente introducción: “En los comienzos del siglo veintiuno (XXI), la Corporación Tyrell avanzó la Evolución Robot hasta la fase Nexus (un ser virtualmente idéntico a un humano) conocido como Réplica. Los Nexus o Réplicas eran superior en fuerza y agilidad, y por lo menos iguales en inteligencia para con los ingenieros genéticos que los crearon. Los Réplicas fueron usados “fuera del mundo” (Off-world) como esclavos en la peligrosa exploración y colonización de otros planetas. Después de un sangriento motín por una compañía de Nexus en un mundo exterior, los Réplicas fueron declarados ilegales en la Tierra, bajo la pena de muerte. Escuadrones especiales de policías (unidades Blade Runner) tienen ordenes de matar a morir a cualquier Réplica que viole esta norma. Esto no fue llamado “Ejecución”, fue llamado “Jubilación” (“Retirement” puede ser entendido como “Retiro” o “Jubilación”, para mí el segundo es el más idóneo). La introducción nos da varias pistas para que nos imaginemos el futuro en el que se desarrolla la película. Primero de todo, es el siglo XXI (en serio, sino vean más arriba). Es un tiempo donde existen las verdaderas Mega corporaciones (en la actualidad estamos viendo únicamente cómo se están perfilando, Coca Cola nos va a dominar a todos!!!), y estas corporaciones llegaron a un punto en que pudieron concebir a nuevos esclavos para la raza humana, no solo ellos mismos, sino también unos seres más poderosos y más hábiles pero viven menos tiempo, solo cuatro años. La raza humana (original) es demasiado sensible como para hacer los trabajos de los Réplicas, estos hacen el “trabajo sucio”. Otro punto importante, el espacio exterior no es patrimonio de la humanidad, es patrimonio de la compañía que primero lo coloniza. En una de esas colonizaciones los Réplicas llevaron a cabo un motín (al parecer un ingeniero genético incluyó un par de ideas marxistas en el Linux de algún Réplica), se unieron y usaron la fuerza y la violencia para derramar sangre en pos de que no los explotaran más (en otras palabras, hicieron la gran Gandhi). Esto también nos demuestra que los Réplicas pueden tener conciencia y hasta sentimientos. El personaje que orbita alrededor de Deckard es Rachel (Sean Young), la joven y apuesta secretaria del hombre que dio vida a los Réplicas, amigo de Deckard. No se sabe bien si es Réplica hasta el final de la película, pero cuando la vemos aparecer hay algo en su rostro que llama la atención. Una suerte de perfeccion, de luminosidad nos hace creer que su piel no es precisamente de verdad. Desde el primer momento nos damos cuenta de que Deckard le tiene ganas, pero tiene que someterla a un examen de verificación Réplica vehicular (para saber si era o no una Réplica). Misteriosamente sale bien de la prueba y nos quedamos con la duda. Mientras tanto, el líder del grupo de Réplicas rebeldes (Roy Batty) intenta llegar hasta su creador para hacerle una breve consulta. Era conciente de que sólo le habían concedido cuatro años de vida, y tenía intenciones de alargarlos eternamente. El creador le explica que tal cosa es imposible, por su composición y Roy, un poco enfadado, lo asesina. Asimismo, Deckard logra asesinar también a todos los Réplicas menos a Roy, con quien al final del film tiene una de las escenas más conmovedoras. Al principio hay una confrontación violenta, pelean a muerte, pero quedan los dos exhaustos. Y al final, el amigo Roy dice “He visto cosas... que los humanos ni se imaginan. Naves de ataque incendiándose cerca del hombro de Orión... He visto rayos de mar... centellando cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos... momentos se perderán... en el tiempo... como lágrimas... en la lluvia. Es hora...de morir”. Roy sólo quería vivir para no perder esos momentos tan especiales. Solo quería vivir regocijándose en su sueño eterno. “Lástima que no sobrevivirá” dice un amigo de Deckard “pero quién sobrevive, después de todo”. Sin lugar a dudas, se refiere a Rachel, y está diciendo que es una Réplica, al igual que Deckard. Está diciendo que no les queda mucho tiempo, que la vida es corta, injustamente más corta para un Réplica, pero eso no importa si van a estar juntos por siempre. Algo aparte, la música de Vangelis que logra crear esa atmósfera densa y oscura que va a la par de la película, es excelente.

Minority Report (Sentencia Previa (¿?) en castellano) es la historia de un policía de Washington D.C. en un futuro no muy distante. Corre el año 2054 y la humanidad ha desarrollado una nueva arma contra el crimen, la unidad “PreCrimen”. Con la ayuda tres seres superdotados, esta unidad puede ver los asesinatos que se están por cometer en un breve lapso de tiempo. Ordenando las imágenes que reciben de estos seres, llamados Pre-Cogs, de Pre-Cognitives en inglés, Pre-Conocimiento, los policías pueden determinar dónde se llevará a cabo el homicidio e intervenir, sentenciando al acusado de “pre-asesinato”. El principal impulsor del proyecto es John Anderton (Tom Cruise, foto), que, cazado por su pasado, se obsesiona, cuando no, con el trabajo. Había perdido a su hijo en un confuso episodio en una pileta pública, y lo obsesiona la idea de que el

Pre-Crimen hubiera podido salvarlo, y es por eso que hace su trabajo con tanto ímpetu, para evitar que a más gente le pase lo que le pasó a él. Veamos quiénes o qué son exactamente los Pre-Cogs. A grandes rasgos, en el futuro aparece una nueva droga muy potente y la gente se hace adicta. Pero las verdaderas víctimas de esta sustancia son los hijos, que nacían con características especiales, diferentes a los hijos de los no adictos. Los que lograban sobrevivir, tengamos en cuenta que solo quedaron tres de ellos conocidos, sufrían unos fenómenos no muy placenteros mientras dormían. Resulta que a la mitad de la noche, se levantaban gritando y llorando. Al examinarlos se descubrió (¿podrían haber empezado por preguntar, no? En vez de meterles todos esos cables, pobrecitos) que soñaban con gente siendo asesinada (¡y nosotros nos quejábamos del cuco!). Y eso no es todo, porque más adelante se dieron cuenta de que lo que veían en sueños pasaba realmente, o sea los que eran asesinados eran personas reales. Podían ver el futuro sin necesidad de un delorean pistero o de un científico hiperactivo. Y así fue como se decidió ponerlos al “servicio de la comunidad”, para prevenir los asesinatos en el área de Washington D.C. Pero la concentración era un problema, y para esto un grupo de científicos no tuvo mejor idea que sumergirlos a medias en una pileta a oscuras y drogarlos. Así se lograba aislarlos del resto del mundo, y mediante la droga se los mantenía en un estado semihipnótico, ni completamente dormidos ni completamente despiertos. Tal era el estado óptimo para que llevaran acabo su magia las pobres personitas. Algo sumamente perverso es tomado con naturalidad en esta etapa, estamos hablando de que seres humanos están siendo utilizados para prevenir el crimen, pero que para eso hay que drogarlos y aislarlos, tratarlos como a máquinas, sólo por el hecho de ser “especiales” y de tener padres adictos. Es una política netamente genocida, y se pasa por alto su cuestionamiento. La humanidad llegó a tal grado de perversión que es incapaz de ver realmente lo que está sucediendo, se encuentra tan profundamente metida en su perversión que toma al genocidio con naturalidad. Cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia. De todas formas, la historia pega un giro insospechado cuando John es acusado por las bolas de madera (que eran las que informaban el nombre del asesino y de la víctima) de intentar matar a alguien que no conocía. Ve las imágenes de los sueños de los Pre-Cogs y era cierto, irremediablemente iba a matar a alguien. Pero no se explica cómo si ni siquiera lo conocía y solo faltaban dos días. Después de ver las imágenes John se da a la fuga, perseguido por el sistema. Llega a la creadora del proyecto, y esta le dice que la visión de los Pre-Cogs a veces difería. No todos veían lo mismo, y para cerrar el caso lo más pronto posible se eliminaban las versiones contradictorias. O sea la unidad Pre-Crimen posiblemente haya encarcelado a gente inocente. John decide raptar a Agatha, la mujer Pre-Cog, porque ella era la más dotada de los tres y necesitaba su versión del asesinato para no ser encarcelado. Un amigo un poco hacker logra conectar a Agatha al televisor y ve que, en un sueño, su jefe asesina a una mujer. Esta visión de Agatha había sido descartada por el equipo Pre-Crimen después de ser considerada un “eco”, una repetición del crimen que sucede un tiempo después del precursor. John se da cuenta de que, si se repetían las mismas condiciones que en la primera visión, pero un tiempo después, y se llevaba a cabo el asesinato, la segunda visión de los Pre-Cogs era descartada. O sea el primer asesino era encarcelado y el segundo salía caminando a comprar chocolates. Al final lleva a cabo el asesinato pero todos se dan cuenta, porque era bastante obvio, que alguien le había tendido una trampa. Su jefe, aprovechándose de su pasado torturador, convenció al pobre hombre para que se hiciera pasar por el asesino de su hijo. Después de que discuten el hombre termina pegándose un tiro y muere. John es encarcelado, y la ex esposa será la responsable de dejarlo libre. Juntos logran pasar el video de Agatha en la fiesta de retiro del jefe, y este decide poner fin a su vida. John y su esposa tienen un hijo y viven felices para siempre.

Inteligencia Artificial es una de las películas más cautivantes que conozco hasta el momento, aunque compiten por el puesto Un Argentino en Nueva York (¡¡Dios nos libre!!) y Vientos de Esperanza, donde Sandra Bullock perdió toda su carrera, o sea no perdió nada. Aclaremos que fue ampliamente criticada, muchos dijeron que Steven Spielberg había arreglado su carrera con Minority Report La obra comienza con una especie de conferencia científica. Se debate el futuro de un nuevo producto, un robot, con la capacidad de amar genuina y auténticamente a sus padres (que también vendrían a ser sus dueños). Los productos anteriores respondían a estímulos únicamente, no poseían “sentimientos”, podían elaborar la definición de “amor”, como vemos en el principio, pero estaban lejos de sentirlo verdaderamente. David (Haley Joel Osment, foto) es uno de esos nuevos robots, denominados Mecas. Y como dice el slogan: “David tiene 11 años. Pesa 60 libras. Mide 1 metro y medio. Tiene pelo marrón. Su amor es verdadero. Pero él no”. A todo esto, hace su aparición una familia tipo: una madre, un padre y un hijo, todos unidos. El problema es que el hijo se encuentra en coma, la madre trastornada

leyéndole un cuento, y el padre buscando la forma de “sobreponerse” a la inevitable pérdida de su hijo. La oportunidad se presenta cuando el profesor Allen Hobby (William Hurt, que a su vez amigo de John Entretenimiento y Mary Pasatiempo) decide ayudarlo, entregándole a un Meca, David, para que llene ese vacío de sus vidas. Como siempre a lo largo de su historia y de su vida individual, el hombre tiende a evadir la soledad a costa de otros. Como cuando PenPen se negó a jugar con Misato cuando ella estaba peleada con todos los que la rodeaban, como diciendo “no solo porque sea tu mascota vas a usarme cuando todos los demás te dan la espalda.” Pero este es el turno de David. Así fue que Mónica, la madre, un poco confundida, pensaba y su rechazo hacia el pobre David va en aumento. Aunque afortunadamente, al final, decide darle una oportunidad. ¿Qué podía perder, después de todo? Es solo un robot. Es una máquina, si no le gustaba podía desecharlo. ¿Y qué pasaría si su hijo verdadero volvía del coma? No importaba realmente, se vería en el momento, pero David no tenía chance alguna contra el hijo natural. Mientras tanto, Mónica y David la pasaban mejor que Wayne y Garth juntos, pasaron así los mejores días de la vida de David. Pero todo lo que sube, indefectiblemente tiene que bajar. La bestia, el hijo de Mónica, Martin (Jake Thomas) despierta, y la familia logra reunirse nuevamente. Durante el tiempo que están juntos, Martin y David compiten a su manera, porque David quería ser como él, verdadero, para ganarse el auténtico amor de su madre. Pero sucedió que mientras festejaban el cumple de Martin, David cometió un grave error al sujetarse fuertemente al cumpleañero mientras los amigos lo molestaban, provocando la caída a la pileta de ambos. En la superficie hay una breve confusión, y el padre se zambulle en busca de su mejor hijo, el hijo prodigo, el que vale la pena. David yace en el fondo, con sus brazos abiertos, a la espera de alguien, y con una expresión de profunda angustia en su rostro. A raíz de estos eventos, Mónica decide deshacerse de David. Lo lleva al campo y lo deja abandonado, casi sin remordimientos. “Es una máquina, va a estar bien” se repite mientras se aleja por la carretera del lugar del crimen. David cree que ha hecho algo mal, y que debe volver a su madre para procurarle que nunca más va a echar nada a perder, ganándose su incondicional amor. A esta parte, la película se convierte en un largo viaje en el que David se encuentra de casualidad con “El Capo” Joe (Jude Law, foto), al que tendieron una trampa y se vio obligado a huir de la poli. Juntos logran encontrar al creador de los Mecas, pero Joe va tras las rejas, y David tiene que seguir el camino hasta el Hada solo. El Hada podía concederle su más preciado deseo, ser real. La encuentra en el fondo del océano, y pide el deseo. Como se encontraban en un parque de diversiones que había quedado sepultado bajo las aguas hacía mucho tiempo, una montaña rusa se les cae encima y quedan inmóviles, solos, eternamente. El y el Hada. Pasan los siglos y los milenios. Llega la edad de hielo. Unos Súper Mecas avanzados los sacan del hielo, y reviven a David. Le explican que los seres humanos se extinguieron, seguramente debido a “peleas internas” y que todos los intentos anteriores de clonación fallaron, porque vivían sólo un día. Pero ellos son más misericordiosos y cordiales. Dicen algo así como que no entendían bien, pero si él quería vivir un sueño, por lo menos un día, se lo iban a conceder. Y lo hicieron, y David tuvo el mejor día de su vida, uno solo. ¿Vale la pena esperar una eternidad para regocijarnos en nuestros sueños por lo menos un día? Yo creo que sí, porque cosas buenas llegan a aquellos que saben esperar.

2001, La Odisea, duerme afuera por el momento no por falta de mérito. Todavía no la vi.

Como dije más arriba, lo que une a estas tres películas es la visión del Futuro, y por eso me parecen tan cautivantes. Las tres dan una idea de cómo sería el mundo si seguimos así. Si la ciencia se pone en servicio de “manos equivocadas” y si el desarrollo de unos pocos trae consigo la miseria de los demás. Blade Runner muestra que los Réplicas querían ser humanos (o eternos) para que su memoria viva con ellos por siempre. Minority Report muestra lo que la tecnología en las “manos equivocadas” es capaz de hacer. Esto sin olvidar que la esclavitud es moneda corriente en el futuro, y esta noción se une al resto de las películas. Los Pre-Cogs en una, los Mecas en otra y por último los Réplicas. Inteligencia Artificial muestra la crueldad de los seres humanos lisa y llanamente. Como cuando de chicos no sabíamos apreciar lo que teníamos, y dejábamos de lado los juguetes viejos por los nuevos (si se perdieron a esta parte refiéranse a Toy Story, excelente película), si no nos gusta lo desechamos, pero que si lo que desechamos nos ama, con todo su corazón. No somos capaces de corresponderlo, y por eso lo odiamos. Además las tres películas están sumergidas en esa atmósfera oscura y perversa que tanto nos gusta. Blade Runner a mi entender es la más oscura de todas, la que tiene el desarrollo más pausado, la que tiene la mejor música, la más cautivante, la mejor. Minority es más bien una peli de acción sin descanso, con todo explicado y explicitado, la más entretenida de las tres. Y después Inteligencia Artificial es la más profunda de las tres, la que más me conmovió, más allá de que la criticaran tanto. Cabe agregar que otra de las películas futuristas más renombrada es 2001, pero como dije, aún no la vi, y soy conciente de que es una de esas que “todos debemos ver, tarde o temprano.” Si todavía no vieron ninguna de las cuatro, las recomiendo a todas, más especialmente a Blade Runner. Hasta la próxima.

Muchos de nosotros (en el ámbito de la animación japonesa, obviamente) habremos escuchado hablar de un tal Hayao Mayazaki, aquel que logró lo que pocos: competir con el actualmente comercial estudio Disney, y además salir victorioso. Una persona, que según dicen, posee un carácter bastante "difícil", pero sin dudas un talento inmejorable. Basta mencionar a películas como Nausicaa, Mononoke Hime, o Laputa entre otras, y veremos que son pocas las personas que le podrán hacer frente algún día. Una dirección impecable y unas adaptaciones de puta madre son sus armas más letales, sin desprestigiar a las demás personas del estudio Ghibli (en el cual se realizaron todas las películas)Y no hay que olvidarse de las increíbles bandas de sonido que acompañan los films, compuestas por Joe Hisaishi, un compositor de música clásica de aquellos (que colaboro también con un tal Takeshi Kitano), que hacen aún mejores las películas. Recordemos sin ir más lejos el OST de Castle of Cagliostro, o el de Laputa (desde mi punto de vista la mejorcita) , y nos daremos cuenta de que no estamos tratando con un novato. También hay que mencionar el éxito obtenido con su último largometraje Spirited Away o Sen to Chihiro no Kamikakushi, ganadora del Oscar a mejor película animada en el 2002, que hizo temblar a varios. El único reproche que se le puede hacer a este genio es el diseño de personajes. En todas sus películas los personajes femeninos siempre tienen rasgos muy parecidos entre ellas. Parece que el estudio se ha percatado de esto y se ve reflejado en el diseño de los personajes de Spirited Away. Sin dudas cada obra de Miyazaki se convierte tarde o temprano en un clásico de la animación japonesa (Tonari no Totoro, Porco Rosso), y por ese motivo esperemos ver muchos más films dirigidos por este “monstruo”.

Nuestro viaje hacia la creación de una obra se remonta a 1998. Hideaki Anno, carismático redescubridor de que la vida no es un bajón, acababa de completar la autobiográfica Evangelion luego de llenarla con sus ideas sobre la psicología y la naturaleza humana, lo cual se notó. A lo mejor pensando que su obra cúlmine ya estaba realizada y podía ahora sí descansar en paz, el tipo se puso a grabar películas con gente, esos entes de voluntad propia que a veces se ve cuando salimos a la calle, ese lugar que queda del otro lado de la puerta. Y no grabó cualquier película, sino una película con unos encuadres rarísimos, filmada con unas Handycam para darle realismo (alias “no quería gastar un peso”), muchas veces ubicadas en microondas o debajo de la mesa. El hombre está decididamente loco. Habiendo cumplido con un capricho más, la gente del estudio que él fundó con otros pibes menos locos le pidió que vuelva. Había otro proyecto: la adaptación del manga de Tsuda Masami, Kareshi Kanojou no Jijou. Una de esas historietas con teleteatro, nada más que esta se ahorraba el teleteatro excesivo, es decir, no había vueltas de tuerca imposibles, no había encuentros, no había “lugar justo en el momento justo” ni demás recursos de la novelita de las tres. El Hideaki hizo todo el show que pudo, se tomó un año para recorrer las escuelas de Japón y ver como pensaban los pibes (las entrevistas estan disponibles en la página de Gainax, www.gainax.co.jp), y después decidió adaptar el manga casi igualito. Además, se trajo a sus amigos de su película recién filmada a hacer las voces, “buscando más realismo”. Por qué nadie le decía nada? Veamos. El director de Gainax estaba siendo investigado por el gobierno por robarse mucha platita; la mitad del estudio estaba animando otro proyecto. Básicamente podía hacer lo que quisiese, aunque no disponía de mucha plata. Ni tiempo, ni personal. Tan poco había, que los primeros cinco capítulos salieron sin opening y con varios minutos de recuento de lo acontecido a manera de rellenar los minutos que faltaban. Pero Hideaki se hace querer, y corría el cuarto capítulo cuando el director nos tapó la boca con la famosa escena de las manitos que hizo poner muchos pelos de gallina. No sólo eso; cada escena introspectiva era una nueva oportunidad para demostrar la belleza que es capaz de poner en escena este curioso personaje. La serie continuaba igual a la historieta, sí, pero con ese toque Gainax hoy desaparecido.

Todo era, como siempre en Gainax, un quilombo, todo estaba mal animado, los plazos eran cortos, imposibles, habia poca moneda... Los productores quisieron tomar las riendas del proyecto, pidieron los ratings antes de que llegaran, y esto no le gustó para nada a Hideaki, que salió a la calle (ya les dije, es el lugar que está mas allá de su puerta) para encuestar a los japoneses. Y si que sabía como ganar la batalla: el episodio 15 no es un resumen tradicional de los acontecimientos; cuenta con 10 minutos de gráficos de los resultados de las encuestas. Una vez más, Anno lanzaba una risotada, y seguía jugando con sus muñequitos.

Se sumaban problemas. Hideaki invoca la ira de Miyazaki-sensei robándole uno de sus animadores para dibujar un Totoro, ya le importaba muy poco la serie, un gato invade Gainax y se roba los créditos del final del capítulo 17, y finalmente Hideaki, harto de la seriedad, a la mitad de la serie, desaparecía, se iba de vacaciones, los rumores se mezclaban, se fue porque lo echaron, lo echaron porque se fue, se fue porque tenía ganas (muy probable), y la cuestión es que Kare Kano quedaba a medio hacer, con su gente involucrada en juicios y quilombos, sin director, no hay plata, no hay nada... y así, nació el célebre episodio 19, donde vemos como unos cartoncitos se desplazan por la pantalla a forma de animación. Es que no había manera de cumplir la fecha de emisión, así que el capítulo esta casí integramente hecho con los storyboards del capítulo. Lo cual no solo es algo bien experimental, sino que esta muy bien realizado, manejado con humor, llevado hasta un lado grotesco. Y si cuando empieza el capítulo te cuesta acostumbrarte, cuando termina solo podés arrodillarte ante el abrumador poder de Gainax.

El señor Anno seguía vacacionando. Mandó su foto al estudio y como no tenían tiempo de hacerle la contratapa a un CD la pegaron. Pueden ver a Anno tostadito y riéndose con la malicia de un chico caprichoso en la contratapa de Kare Kano Act 3.0.

Todo entre apuros. El capítulo 24 es un nuevo resumen de los acontecimientos. Traen a un director para hacer el capítulo 25. Inventan una historia. No había tiempo ni a palos para hacer el último capítulo. Todo es una locura...

Y vuelve Hideaki. Increíblemente en vez de azotarlo, corren a abrazarlo. Y se pone manos a la obra. Y hace un capítulo final increíble, mezclando imágenes del manga con reflexiones acerca de las relaciones y del ser humano, todo en un tono íntimo y profundo. Y nuevamente un final abierto. Pero hermoso. Hideaki lo ha hecho de nuevo. Todos lo abrazan otra vez. Los fans gritan enojados, quieren ver la serie terminar, no pueden creer que otra vez los saquen de su esquema de series con sentido y finales felices. Pero en Gainax todo es alegría. Por qué? Si el tipo se fugó y volvió cuando quiso? Por qué nadie lo echa, nadie le grita? Por qué? Hideaki Anno es simplemente un genio, inestable, curioso, loco, sumamente loco. Como todo genio.

El Tio Oscar, convencido de su poderio, ya ni siquiera disimula su voluntad manipulado por el que ponga los verdes, y por segundo año consecutivo asistimos a una entrega de los Oscar bochornosa y fraudulenta. Se me ocurre que después de Belleza Americana no ha ganado ninguna película controversial. Sumado a esto, el año pasado asistimos a la entrega de los premios políticamente correctos, cuando luego de que durante mucho tiempo no le dieran un solo premio a un actor negro, lloviesen los premios para la raza afroamericana. Justo cuando en la puerta de los premios los manifestantes contra la discriminación colgaban pancartas y amenzaban con hacer un escándalo. El timing de la Academia no falló, calló a los manifestantes y se demostró como defensora y justa, cuando en realidad aquello era la verdadera muestra de la parcialidad y el racismo de quienes eligen. En otras palabras, darle los premios a Halle Berry y Denzel Washington cuando estan en aprietos es igual de racista y condescendiente y demuestra la misma parcialidad que cuando ocurría lo opuesto.

Este año el escándalo que se asomaba por la ventana parecía mucho peor: una fiesta en medio de la guerra, con la excusa de que el arte debe prevalecer, cuando todos sabemos que aplazar aquello era perder deliciosos dólares. Actores que se negaban a participar al principio y gente que amenazaba con disparar a los responsables de la guerra, parecía acercarse la noche donde los artistas iban a hacerse valer y hacerse oir por un mundo que comparte su repudio a una guerra meramente política que pone en peligro miles de vidas por... deliciosos dólares. Y mientras los organizadores temían que se descubra que su ambición es tan fría y sanguinaria como la de los dirigentes del país-imperio y de Irak, y en la televisión se preparaban para la emisión más controversial de la historia, los artistas comenzaban a recibir las palabras-censura desde los altos cargos, comenzaban a atenuar sus discursos “para no empañar una noche de fiesta con política”, y ya cuando empezó y se pronunciaron los primeros discursos se supo que aquella, más allá de alguna mención por la paz, iba a ser una noche normal y corriente. Y luego del “incidente Moore”, del cual todos reímos cuando en realidad asistíamos a uno de los casos más expuestos de la omnipotente censura yanqui, apareció Susan Sarandon con cara de upite, Pedro Almodóvar dijo apenas algo y el resto, hasta las honestas palabras de Adrien Brody (el único discurso honesto y desinteresado por la paz), parecieron hipocresías, silencios cómplices. Y todo desapareció en la nada.

En la nada, porque ni siquiera ganaron los que debían haber ganado, sino los que se suponían que iban a ganar. Y ganó Chicago nomás, la peor de las nominadas, aburrido musical sin ritmo para los días que corren, pero sin dudas la mas liviana de las nominadas. El premio es, por ende, a la película más incapaz de generar controversias en tiempos de guerra y confrontaciones civiles y tragedias, una película que si bien es una critica a esa sociedad, es una critica más bien transitada, y digerida ya, conocida por todos hace tiempo. Chicago ganó por ser la menos ambiciosa, la menos orginal, la más despojada de todas. Ganó por aferrarse a un guión ya hecho. Ganó porque si ganaba, nadie iba a decir nada, pero que iba a pasar si ganaba El Pianista, que no hace falta decir es un manifiesto contra la guerra, la otra gran candidata? Es decir, la Academia, la poderosa Academia, de la misma manera que ordenó que la fiesta continúe, eligió premiar a una película que hace que la gente se olvide del mundo por un ratito, y se ría con Richard Gere bailando y con toda la franela de Hollywood, y se maraville y....

Como anda la gente que tiene suficiente tiempo para leer este experimento? Esta es mi primer editorial, para esta revista, claro, ya trabajé para Times y National Geographic, pero quería hacer algo más local, así que cuando me llamaron los chicos no lo dude. Que decir, que decir... Esto, antes que nada, no se lo tomen en serio; vamos a tomarnos esto la mas a la ligera posible. Eso no signifique que no nos importe, sino que aprendimos que la belleza hay que apreciarla en vez de contenerla. Vamos a dejar que todos nuestros amigos entren y salgan y hablen como si esto fuera un foro, y vamos a ser lo mas subjetivos que podamos ser. Y quizas asi seamos lo mas objetivos que puede serse.

Porque lo que intentamos hacer es reflejar en esta modesta producción es los gritos, la confusión y la algarabía adolescente que nos domina cuando acabamos de ver algo increíble, una película, una serie, entre amigos, y los creditos dominan la pantalla. Ojala que aca no exista el orden y que todos la pasemos bien. Y ojala que se sientan bienvenidos a esta revista, la que menos consideración tiene hacia sus lectores...

Un último pensamiento: imperialistas o dictadores, la verdadera razon para oponerse a las guerras no deberia ser un ideal, sino la certeza de que todas las guerras son contra la humanidad.

Viste la casilla en donde tus amigochis te mandan muuuchos forwards (esos mensajes con chistes, sugerencias de revolución y la siempre bonita poesía barata)? Bueno, si sos como todos los argentinos: le pusiste gas a tu auto; esquilaste a tu perro para pagar la banda ancha de este mes; tenes una casilla en Hotmail, porque no tenes plata para andar pagando cuentas POP. Y si tenes una cuenta en Hotmail, Yahoo, etc., pone "redactar" y en donde dice "destinatario" pone akaisorastaff@yahoo.com , dale? Como? No me digas que todo esto ya lo sabías?! Bueno, lo que si no sabes es que tipo de mensaje tenes que escribir para que te elijamos entre los millones que nos mandan mensajes (la mayoría son cartas-bomba o gente que se confundió). Aca el prototipo de carta:

Hola Akai Sora! Mi nombre es Beto Fetiches, tengo 3 años y me dedico a diseñar proyectos que nunca realizaré. Soy fan de los episodios 312, 914 y 3.009.345 de Doraemon y cada vez que veo a Fellini salgo de mi casa con una sonrisa. Su revista es genial, y cuando nadie me ve y estoy solo con mi alma releo el contenido y lloro, porque "la belleza es demasiada, y siento que mi corazón va a estallar"*. Dejo mi mail porque me siento solo.

Betito, desde un oscuro rincón de mi habitación (se corto la luz; no me pregunten como mandé el mail, es demasiado humillante)

* nota ed.: no olvidar este tipo de comentarios aduladores. De lo contrario, su carta no será publicada...

Encuesta: Que tenés en el baul de tu auto?

1) Un montón de herramientas que no sabés usar y un montón de basura que no querés limpiar

2) El tanque de gas

3) Un gato y una foto de Enrique Iglesias (opción solteronas)

4) No tengo baúl (me lo chocaron)

5) No tengo baúl (me lo robaron)

Envían sus respuestas a akaisorastaff@yahoo.com!!!!

Enseña ping pong, arregla la página, es un genio, capo de capos, les pasa el trapo a los demás: Alejandro "Jano" Cafiero

La vida en Mabase

El conflicto universal

Que es FLCL?

Kazuya Tsurumaki: la nueva sangre de Gainax

En el cielo rojo, FLCL tiene SEIS ESTRELLAS

Tinta China

Historias simples para el corazón

El manga